Биография

Анатолий Зверев родился 3 ноября 1931 года в Москве в семье у простой рабочей и бухгалтера. Рано лишившись отца, рос замкнутым и одиноким ребенком. Рисовать учился в школе у художника-графика Н. В. Синицына, ученика Анны Петровны Остроумовой-Лебедевой. Учился в художественном ремесленном училище по специальности «маляр по художественной отделке». В 1954 году поступил в Московское областное художественное училище памяти 1905 года. Но очень скоро Зверев, бунтарь, которого близкие часто называли «Зверь», был отчислен за несоблюдение норм учебного заведения.

Так и не получив систематического академического образования, Зверев много времени уделял самообразованию. Он долго искал себя. Произведения Зверева сложно отнести к какому-то определенному направлению: в его произведениях можно найти черты многих течений: модернизма, абстракционизма, экспрессионизма. Он всегда метался как в выборе техники, так и в выборе материалов. Карандаш, гуашь, акварель, масло — Зверев брался за все, и даже часто смешивал одно с другим.

Ранний период творчества Зверева (1953 год) характеризуется влиянием русских пейзажистов конца 19 века — И. Левитана и А. Саврасова. Черно-белые работы выполнялись на обычном картоне небольшого размера. Натурализм очень скоро перестал интересовать Зверева, и, желая рисовать более экспрессивно, он обратился за вдохновением к творчеству Врубеля. После этого его заинтересовали работы Матисса, Ван Гога, Сезанна. Работы этих французских художников Зверев увидел в 1953 году, когда они были привезены в Москву. Самый важный и плодотворный период в творчестве Зверева выпал на 1953-1960 годы. В этот период он написал свои главные шедевры.

В жизни Зверева сыграло важную роль несколько влиятельных представителей искусства того времени. Первым талант Зверева заметил танцор и режиссер Александр Румнев. Это произошло, когда работавший в то время в парке «Сокольники» Зверев, расписывал там детские площадки. Позднее Зверев познакомился с дирижером Игорем Маркевичем и крупнейшим коллекционером русского авангарда Георгием Костаки. Игорь Маркевич организовал первую персональную выставку Зверева в Париже в 1965 году в галерее Motte. С этой выставки началась международная известность художника. Костаки стал еще одним покровителем Зверева на долгие годы и стал очень важным человеком в его жизни. Стоит отметить, что Анатолий Зверев какое-то время даже ухаживал за любимой дочерью Костаки — Алики. Есть версия, что Костаки хотел дать Звереву репутацию «русского Поллока». В 1959 году на выставке в «Сокольниках» Анатолию Звереву показали картину Джексона Поллока со словами «вот кому вы подражаете». Зверев внимательно рассмотрел работу и сказал: «Ну, это академизм. Я ушел гораздо дальше». Он действительно искренне считал, что опередил известного на весь мир Поллока, ведь несколькими годами ранее он создавал работы в той же самой в технике дриппинга (от анг. drip — «капать») на огромных фанерных листах, даже не зная о существовании такой техники. Будучи порой «под градусом» (художник часто работал, выпив) Зверев, как и Поллок, стелил полотно на пол и самозабвенно творил, разбрызгивая краски. Для этого он использовал буквально все, что попадалось под руку: кисти, веник, выливал краску прямо из банки. Абстракция как таковая не была для Зверева самоцелью, как это было у Поллока. Такой экспрессивный прием был лишь средством отражения реальности. Поэтому Зверева можно отнести к приверженцам живописи действия — художественной технике, суть которой состоит в том, чтобы избегать нанесения краски традиционным путем. Для советских художников такой способ был, мягко говоря, смелым. Многие считали его признаком скудного художественного образования и дилетантства Зверева.

Зверевские гуаши и акварели 1957 года можно отнести к так называемому «мраморному» периоду. В этот период Зверева не привлекали «чистые» цвета. Он смешивал краски не на палитре, а в тарелке, где они образовывали причудливый рисунок, напоминающий поверхность мрамора.

В 1957 году работы Зверева были выставлены в рамках VI Международного фестиваля молодежи и студентов. На протяжении многих лет участвовал в квартирных и коллективных выставках нонконформистов. В 1960 году американский журнал Life опубликовал работы Зверева на своих страницах, иллюстрируя ими заметку Александра Маршака «Искусство России, которое никто не видел». Это было свидетельством мирового успеха. В 1961 году MoMa купил три акварели Зверева. Тем самым, MoMA, один из самых влиятельных музеев-трендсеттеров в мире, дал еще один мощный толчок развитию карьеры Зверева за рубежом. Надо заметить, что ни на одной из своих многочисленных зарубежных выставок сам Зверев никогда не присутствовал — он ни разу не выезжал из России.

А на родине при жизни у него состоялась всего лишь одна персональная выставка — в 1984 году в Горкоме художников-графиков на Малой Грузинской. Несмотря на это, он был бесспорным лидером альтернативного изобразительного искусства того времени. Особенно Зверев был популярен среди представителей западной культуры. Так, он писал много портретов по заказам высокопоставленных иностранцев, дипломатов, работавших в СССР. Эти работы послужили возникновению термина «дип-арт». Одним из заказчиков Зверева был даже генеральный секретарь ООН в 1953–1961 годах Даг Хаммаршельд. Но большие гонорары с продаж и заказных работ не были целью для художника. Он был напрочь лишен меркантильности. Зверев говорил, что «истинное искусство должно быть свободным, хотя это и очень трудно, потому что жизнь скованна». Полученные за работы деньги он быстро и без сожалений прогуливал, отдавал старые долги, играл в азартные игры, — словом, жил страстно.

Приверженность идеям нонконформизма была для Анатолий Зверева основным импульсом в его работах. В его творчестве можно увидеть вызов обывательскому «здравому смыслу», устоявшимся нормам и общепринятым представлениям об искусстве. Это служило одной в ряде других причин для неприятия отечественными галереями и художественными конституциями творчества Зверева. Он не принадлежал ни одному из московских сообществ художников, был закрытым человеком, одиночкой. Зверев далеко не каждому открывал свою душу. Потому и многие коллеги-современники к нему также относились настороженно; кто-то завидовал, кто-то побаивался, кто-то относился с брезгливостью. Например, скульптор и первый секретарь правления Союза художников СССР Екатерина Белашова говорила, что «Зверев не художник, его картины — это просто бред больного человека». Плохо знавшие его люди называли его тунеядцем, алкоголиком, шизофреником. Для близкого и очень узкого круга людей он был гением, поэтом, философом. Он получил признание среди многих выдающихся художников. Широко известно высказывание самого Пабло Пикассо о Звереве: «великий русский рисовальщик». А авангардист Роберт Фальк, один из основателей сообщества «Бубновый валет», человек серьезный и даже суровый, редко кого-то хваливший, сказал как-то о Звереве: «Каждое касание драгоценно. Такие художники рождаются раз в сто лет».

Скончался Анатолий Тимофеевич Зверев в возрасте 55 лет в 1986 году в Москве. Творческое наследие Зверева насчитывает более 30 тысяч работ. Его продуктивности поистине мог и может позавидовать любой художник. Работы художника находятся во собраниях музеев по всему миру: в Третьяковской галерее, MoMA, Музее современного искусства в Москве, Новом Музее в Санкт-Петербурге, в собрании Костаки в Афинах и многих других.

В 2015 году на 2-й Тверской-Ямской улице открылся Музей АЗ (так подписаны все работы Зверева) — первый в России частный музей одного художника. Предтечей его создания была выставка 2012 года в Манеже «Зверев в огне», на которой были представлены работы из коллекции Георгия Костаки, уцелевшие при пожаре его дома в 1976 году. Выставку посетило более 40 тысяч человек.

Галерея